Este trabajo lo puse en un foro, como objetivo que nos sirva a todos para nuestra superación, pero dado que las carácteristicas que revisten los mismos hace que vayan quedando para atrás, nadie los lee y es por ello que me repito aquí en aras del beneficio colectivo.

Diez mandamientos para escribir con estilo

Friedritch Nietzsche

1. Lo que importa más es la vida: el estilo debe vivir.
2. El estilo debe ser apropiado a tu persona, en función de una persona determinada a la que quieres comunicar tu pensamiento.
3. Antes de tomar la pluma, hay que saber exactamente cómo se expresaría de viva voz lo que se tiene que decir. Escribir debe ser sólo una imitación.
4. El escritor está lejos de poseer todos los medios del orador. Debe, pues, inspirarse en una forma de discurso muy expresiva. Su reflejo escrito parecerá de todos modos mucho más apagado que su modelo.
5. La riqueza de la vida se traduce por la riqueza de los gestos. Hay que aprender a considerar todo como un gesto: la longitud y la cesura de las frases, la puntuación, las respiraciones; También la elección de las palabras, y la sucesión de los argumentos.
6. Cuidado con el período. Sólo tienen derecho a él aquellos que tienen la respiración muy larga hablando. Para la mayor parte, el período es tan sólo una afectación.
7. El estilo debe mostrar que uno cree en sus pensamientos, no sólo que los piensa, sino que los siente.
8. Cuanto más abstracta es la verdad que se quiere enseñar, más importante es hacer converger hacia ella todos los sentidos del lector.
9. El tacto del buen prosista en la elección de sus medios consiste en aproximarse a la poesía hasta rozarla, pero sin franquear jamás el límite que la separa.
10. No es sensato ni hábil privar al lector de sus refutaciones más fáciles; es muy sensato y muy hábil, por el contrario, dejarle el cuidado de formular él mismo la última palabra de nuestra sabiduría.

Cuando escribes tienes que estar allá.

Existe la descripción tipo cámara: el ojo reproduce a medida que va viendo.

Existe otros tipos de líneas descriptivas: como una bola de sentimiento que va de aquí para allá dependiendo de dónde se halle en el momento la emoción.

El escritor "Allá" puede tomar las formas que le plazca. Puede ser sólido o puede ser flujo no sólido inmaterial. Puede integrarse y puede desintegrarse a placer. Puede ser sexual, puede fluir, puede erectarse, puede ser apagado por una voz.

Puede intentar, comenzarlo todo de nuevo.

Tiene la capacidad de describir un espacio físico; y a la vez tiene la libertad de describir sólo aquello que "Ocurre".

El escritor es un ojo perceptual, puede describir colores y formas, sí... pero puede describir también sólamente movimientos. Puede describirnos y mostrarnos a personas; pero puede también arrancarles la osamenta y dejarlas netamente en emociones. Al final la "persona" no es más que una carcasa que cubre una emoción, una necesidad, una intención.

El escritor es un cazador en el plano de su imaginación.

Quien escribe se ve en la obligación de inventar un mundo y es este mundo su materia prima. Sin embargo, quien percibe es único, y ése es precisamente el interés de la Literatura. 

     Lo primero que debo decir es que el espíritu del curso sólo trata de hacer un acercamiento al complejo mundo de la creación poética, por lo que el nivel de conocimientos para comprender el curso es el elemental. Por supuesto, siempre que algún navegante me lo comunique o yo mismo lo haya planificado, volveré y desarrollaré temas que se consideren de interés y sobre los que falten datos importantes.

     Antes de empezar, lo primero que debemos hacer es buscar un buen libro de estilística, de los que hay muchos y muy buenos. El manejo y conocimiento de las figuras (metáfora, metonimia, etc.) también es importante. Y, sobre todo, el leer BUENA poesía, a los MEJORES: Rilke, Whitman, Lorca, Neruda, Dickinson... En cuanto a qué criterio seguir para saber quiénes son los mejores, surge siempre la polémica: ¿mejores en qué sentido, desde donde nos acercamos?. Lo que es importante es diferenciar aquello que no gusta de lo que es mala poesía: hay personas a las que no les gusta Miró, pero eso no significa que no sea un genio. Este apartado nos requeriría un curso completo, pero desde luego es apasionante. Lo dejo como reflexión, y si alguien tiene alguna cuestión que plantear que no dude en comunicármela.

     ¿Verso libre o verso regular?. Lo primero que habría que decir es que NO es más facil escribir en verso libre que en regular. La dificultad del verso libre radica en que no se encuentra ésta en la forma, sino en que el poeta se ve obligado a construir un código particular que da la clave del poema.

     Aunque el verso "libre" rechaza la normativa poética tradicional, hay que decir que sin organización rítmica el poema no puede existir. Si no fuese así, entenderíamos que, por ejemplo, la lista de la compra sería una composición poética, y, desde luego, no lo es. Tratada adecuadamente, llegaría a serlo.

     El verso más armonioso, el que mejor suena, es el endecasílabo, y también el octosílabo se suele nombrar como un verso bello. El endecasílabo real es el verso perfecto por excelencia, aunque podemos decantarnos por el que nosotros consideremos más adecuado.

Una vez decidido el tipo de verso, podemos elegir entre varios RITMOS o pies rítmicos, sobre los que se desliza el verso. Hay varios ritmos distintos, aunque hay autores que los simplifican en dos, y toman a los otros como variaciones de éstos:

• a) TROQUEO: una sílaba tónica acompañada de una átona: x- o
  
• b) DÁCTILO: una tónica y dos átonas: x - o - o

    He representado la sílaba tónica o larga por x y la átona o breve por o. Pero aquí están todos:

1) TROQUEO o TROCAICO: una sílaba tónica acompañada de una átona: x - o
2) DÁCTILO: una tónica y dos átonas: x - o - o
3) YÁMBICO: o - x
4) ANAPÉSTICO: o - o - x
5) ANFIBRÁQUICO: x - o - x

     ¿Qué son las sílabas tónicas y las átonas?. Las sílabas tónicas son las que, cuando pronunciamos las palabras, llevan el golpe de voz fuerte. Las átonas son las sílabas que llevan el golpe de voz débil. Veamos un ejemplo para explicar esto, es muy fácil. Tomemos la palabra casa, pronunciándola en voz alta:

Ca - sa

x - o

    Al decir CASA, el golpe de voz fuerte recae en la sílaba CA. Prueba a decirlo en voz alta. Otro ejemplo con la palabra murciélago:

Mur-cié-la-go

o - x - o - o

     Oímos claramente que la sílaba CIÉ es la que lleva el golpe de voz fuerte. Otro ejemplo con el verbo seguir:

Se - guir

o - x

     Espero que con este último ejemplo lo hayas entendido. Al pronunciar seguir, el golpe de voz recae en la sílaba guir.

Ahora veamos un ejemplo en un verso de Juan Ramón Jiménez:

Es par [ce oc] tu br[e, al] blando movimiento

o [x-o x-o x-o x-o x-o]

del sur, las hojas áureas y las rojas,

o [x-o x-o x-o x-o x-o]

     ¿Alguna vez has contado sílabas? Casi todo el mundo lo ha hecho en B.U.P. o en F.P., en clases de lengua, pero por si hay algún olvidadizo/a, diré que en el esquema anterior he metido entre corchetes aquellas sílabas que se cuentan juntas; esto sucede cuando una termina en vocal y la otra empieza en vocal. Sucede también con los nexos como y, y en palabras que empiezan por H, pero ojo; al contar el número de sílabas de un verso para conocer su medida, debemos tener en cuenta en que hay ocasiones en que la sílaba que lleva la H es fuerte, y por lo tanto se cuenta, ya que al recitar el verso está marcada por un golpe de voz.

    Asímismo, hay que tener en cuenta que si la última palabra del verso es:

• Aguda, se SUMA una sílaba
• Esdrújula, se RESTA una sílaba
• Llana, se deja la suma como está

     Por ejemplo, el primer verso que contamos son 11 sílabas exactas. Si la palabra final hubiera sido aguda, tendríamos doce, y a J.R. Jiménez le hubiera provocado un ataque de histeria... por el descuido.

     Puedes mezclar los ritmos, usar en un verso uno, luego otro, e incluso en el mismo verso; la elección depende del efecto que quieras conseguir. La experiencia y la lectura te irán indicando qué ritmo es más adecuado para expresar según qué cosas.

     Cada verso de los anteriores contiene cinco troqueos, que además coinciden en la posición de los acentos. No importa que empiece el verso en una sílaba débil, pero

No se deben dar NUNCA dos sílabas FUERTES seguidas.

     Esto es algo que se debe evitar a toda costa, es un error que el poeta no se debe permitir, a no ser que se busque (y se consiga) un efecto, porque además suena mal. Hay poetas que se niegan a publicar sus poemas y sólo los recitan porque creen que es para lo que fueron escritos: para ser oídos.

    La rima intensifica la pausa final del verso; por eso, la rima destaca la palabra a la que marca por encima de las demás que conforman el verso. En muchos poemas, el poeta proyecta los valores del mismo en las rimas finales, consiguiendo así marcar valores que se igualan o bien se diferencian entre sí. Primero vamos a ver un ejemplo de esto último: cómo un poeta iguala términos dispuestos a lo largo del poema:

    En este precioso poema de Par Lagerkvist, el poeta iguala los versos (que contienen un concepto claro) uno a uno, consiguiendo centrar tres ideas principales. El efecto que consigue es el de remarcar y extender los conceptos que pretende hacer llegar al lector. Estas conceptos claves los he marcado en negrita, y se relacionan así:

a) nube con fortuito: Como la nube, que es fortuita...
b) mariposa con mudable: Como la mariposa, que es mudable...
c) el leve aliento sobre un espejo con desvanecido en un breve instante: no puede estar más clara la relación

    Así es como Lagerkvist estructura su poema: como la nube, que es fortuita, pues de pronto se rueda y desaparece, dejando un cielo limpio; como la mariposa, que es mudable (asociamos la idea del cambio a la del paso de oruga hasta llegar al de mariposa); como el leve aliento sobre un espejo, que se desvanece muy pronto...

    Iguala las asociaciones en un último verso: la nube fortuita con el cielo, la mariposa mudable con el mundo, el aliento que se desvanece con el destino... Y su pregunta final, que deja todo en el aire, toda la duda y el temor, todos nuestros miedos: "¿qué has pretendido hacer conmigo?". Impresionante poema.

    Aunque parezca ser ésta la explicación más evidente para el poema, quiero dejar claro que NO tiene por qué ser esta estructuración de ideas que yo he creido ver en el poema la única ni la válida; simplemente me apoyo en unas relaciones que creo que son las más evidentes.

    Los niveles de interpretación son muy personales, pues es a personas a quien van dirigidos los poemas; cabe decir aquí que, aún así, nuestro conocimiento y experiencia de la lectura es la que nos ayuda a entender ciertos registros, conceptos y estructuraciones del poema y de cualquier obra literaria en general; sigo a Harold Bloom a ciegas en esta línea (Harold Bloom es considerado uno de los mejores críticos literarios del mundo: su obra El canon occidental, uno de los mejores libros que he leído en mi vida... y no cobro un duro por esta promoción).

    Esto es lo que se llama competencia literaria: lo competente que somos para poder entender una obra, gracias a una serie de conocimientos que poseemos por nuestra experiencia en la lectura. Es como el cine: con el tiempo, entendemos su lenguaje de forma natural; cuando el director, tras mostrarnos algo, deja la pantalla en negro, sabemos que, casi con toda seguridad, va a hacer un flash-back (va a volver sobre hechos anteriores). Esto lo aprendemos tras una ejercitación, tras aprender un lenguaje que posee sus propias características y propiedades, y que, al igual que la poesía, somos capaces de traducir inconscientemente: no recordamos cuál fue la primera vez que vimos un flash-back, pero sabríamos reconocerlo sin ninguna duda.

    Sé que el tema es apasionante, pero debemos volver a la rima: veamos ahora un poema que usa la rima para marcar algo: un concepto, un ritmo...

    El poema es de Pedro Perdomo Acedo, poeta canario; cada vez que lo leo se me ponen los pelos de punta. La rima cumple un papel fundamental en la poesía... o no. Es simplemente una elección que debemos tener en cuenta a la hora de componer, y de sopesar su interés para lograr nuestros propósitos.

    En cuanto a los tipos de rima, hay que considerar que la consonante es mucho más perfecta para el oído; como todo, cuestión de gusto personal.

    La estrofa ha tenido diversas combinaciones a lo largo de la historia. Toda estrofa desarrolla una estructura de pensamiento poético. El poeta siempre usó la que su época le puso al alcance y, si no le era adecuada para sus propósitos, la inventaba. La estrofa distribuye las emociones, las ideas, los pre-juicios... Aquí aparece una de las mayores dificultades a la hora de explicar la estrofa: hay que recordar las primeras composiciones simbolistas, hay que tomar las vanguardias... modernismo, surrealismo, etc. Veamos varios ejemplos, como punto de partida para el no iniciado, y para que luego pueda investigar por su propia cuenta: es apasionante.

    El espacio en blanco SIGNIFICA algo: no sólo separa ideas y las aclara, por el hecho de distanciarlas. Aquí implica, a mi entender, una sensación de vacío, remarcando la sensación de que la vida del poeta está en juego...

    Ejemplos como este hay muchos y muy famosos. Ahora es cuestión de poner en práctica lo ya explicado, de trabajar horas y horas, de sufrir con el poema. Dicen los entendidos que no es posible esperar diversión con la labor creadora: dime tú si estás de acuerdo o no. En el siguiente capítulo veremos más ejemplos de estrofas. Te invito a practicar con lo aquí expuesto, pero recuerda que también existe una amplia variedad de libros en los que puedes encontrar información detallada sobre la creación poética.